Idea y desarrollo

Seleccionen adecuadamente el segmento de la audiencia. Estudien y analicen los rangos de edad, de acuerdo con el territorio en el que se encuentran, las distintas disciplinas o las ventanas para las que están pensando emitir el contenido. En el caso audiovisual, primera infancia etapa 1 (de 0 a 3 años), primera infancia etapa 2 (hasta 6 años), los niños (de 7 a 9 años), los “tweens” (de 10 a 12 años), son categorías muy amplias y dan cuenta de individuos con características cognitivas, emocionales, sociales y físicas muy específicas. De hecho, esta segmentación se establece para contenidos audiovisuales y puede ser que para otros lenguajes o sectores haya otro tipo de categorías: conózcalas.

Conozcan el contexto de la audiencia objetivo con la que van a trabajar. Sus condiciones y características específicas pueden sugerirles el medio, el contenido, la metodología y el impacto deseado.

Se sugiere escoger un solo rango, una edad específica dentro del segmento, por ejemplo: niños de 8 años o niños de 4 años y conocer sus necesidades, intereses y problemáticas para en consecuencia ofrecer contenidos valiosos y pertinentes. Cada edad permite enfocarse en determinados recursos expresivos de acuerdo con sus características propias de recepción en correspondencia con su desarrollo; esto facilita el trabajo de los comunicadores y la conexión no solo con los destinatarios de la edad, sino con todo el segmento al que la audiencia elegida pertenece. Y sin duda habrá niños de menor edad e inclusive de mayor edad que encuentren elementos para identificarse.

No sobra tener en cuenta que una niña de 6 años es muy distinta a un niño de 6 años, el género también se convierte en un elemento fundamental a la hora de diseñar contenidos. Desarrollen la idea teniendo en cuenta las características y condiciones del grupo de edad al que va dirigido el contenido, respetando sus habilidades cognitivas y sus preferencias y tengan en cuenta que ésta es, a su vez, una excelente oportunidad para pensar en contenidos que ayuden a deconstruir estereotipos impuestos por el contexto en que estos niños y niñas se desarrollan. Investiguen con exhaustividad y suficiencia las características socioculturales y psicológicas del público objetivo, los aspectos temáticos, las condiciones del formato y la viabilidad del proyecto en términos de producción.

A través de la formulación de la idea y su desarrollo, consideren a los niños y niñas como su audiencia, de manera que el contenido en el tema que escojan logre:

• Enriquecer su propia existencia.

• Ilustrar y darle forma a sus experiencias y emociones cotidianas.

• Aportar a darse cuenta de quiénes son, y sentirse a gusto con ello.

• Dar una visión plural de la realidad.

• Ayudar a hallar preguntas y problemas valiosos.

• Aportar herramientas para mediar los sucesos inesperados y los fracasos.

• Estimular el deseo de actuar éticamente.

• Aproximarlos a modelos alternativos de mundos posibles.

• Estimular la imaginación y el pensamiento crítico.

• Invitarlos a realizar sus sueños.

• Entregarles alegría y generarles sonrisas, risas y diversión.

• Invitarlos a la exploración del mundo físico, social y cultural, de manera que privilegien la experiencia real al consumo exagerado de los medios y plataformas de comunicación.

• Propiciar la comprensión de las lógicas para vivir juntos.

• Relacionar las experiencias cotidianas de los niños, los entornos de casa, escuela, familia, comunidad, y también con mundos fantásticos que estimulen la imaginación.

• Tratarlos con sencillez y apelar a sus emociones, a su curiosidad y al deseo de conocimiento de los niños.

• Inspirarlos a la creación, la curiosidad, la expresión y a la exploración del mundo a través de contenidos.

• Entregarles contenidos que los invite a analizar las situaciones, a crearse un criterio propio y a fortalecer su autonomía.

La opinión de los niños es muy valiosa para enriquecer el proceso. Se recomienda validar con ellos aspectos como la premisa, los guiones, los cortes de los capítulos, el casting, las ilustraciones, la música, el paquete gráfico, entre otros.

Tengan en cuenta los alcances del proyecto según los objetivos y la audiencia a la que se quiere llegar. Pueden determinar un contenido regional o preferir historias universales.

Asuman a los niños como sujetos de derecho y no estimulen en ellos una cultura consumista o materialista. Tengan en cuenta que la audiencia tiene el potencial de crear, de compartir contenidos, de expresar su opinión propia; también consideren que a través de su contenido pueden aportar a que el público se empodere hacia la toma de decisiones con responsabilidad, conocimiento y respeto por la diferencia.

Tengan en cuenta que los adultos (padres, maestros, familiares, vecinos) hacen parte de la vida de los niños y (con mucha suerte) pueden ser mediadores de la recepción de los contenidos, por eso es importante que la idea y su desarrollo consideren su presencia y rol activos, tanto como espectadores como aliados para la promoción del contenido. Esto no implica, obligatoriamente, que el contenido tenga que desarrollar una presencia adulta, sino que se trata de reconocer que los adultos hacen parte de la vida de los niños y, en ese sentido, se pueden convertir en una audiencia secundaria.

Tengan en cuenta las particularidades de cada uno de los medios, radio, televisión, cine, internet, video juegos, cada audiencia tiene sus características y diferente segmentación según sus lógicas.

Reconozcan el contexto social, político e histórico de los niños a quienes desean dirigir su contenido. Incluso esos factores pueden convertirse en temas interesantes y retadores para desarrollar un proyecto de contenido infantil con enfoque social, histórico, político o económico.

La investigación es la clave para un proyecto exitoso: no basta con la investigación temática, es necesaria la investigación de audiencias y de mercados. El conocimiento exhaustivo del segmento de audiencia determina la selección de temas, los tratamientos, las narrativas, los canales de distribución o medios y las estrategias de comunicación y mercadeo. Para esto, es recomendable que haya, al menos, dos grupos de investigación, el que se encarga de lo temático y el contenido (interdisciplinario) y el de investigación de audiencias que, una vez inicia el proyecto, acompaña el proceso de monitoreo.

Desarrollen una investigación sólida, con preguntas de indagación claras, exploren aspectos relacionados con el universo y el público infantil y consulten factores que aporten a la forma cómo van a realizar el contenido. En ocasiones, no basta con preguntarles a los niños lo que les gusta, porque tienden a responder que les gusta solo lo que conocen, es decir, a lo que tienen acceso. Propicien entonces el diálogo con ellos sobre temas que les interese, sobre su manera de interpretar el mundo y sus formas de vida.

Dediquen tiempo para observarlos, para conocer mejor su mundo, sus expectativas y sus fantasías y recurran a ellos para validar aspectos concretos del proyecto.

Validen y evalúen su proyecto y contenido en distintas etapas (idea, teaser, primer capítulo, tráiler) con grupos de niños que corresponden al público objetivo a través de técnicas propias de la investigación (grupos focales, talleres, juegos) y/o del sector audiovisual (pitch, visionados, audiciones).

Establezcan etapas de validación con personas que consideren necesarias que puede incluir políticos, autoridades, empresa privada, agentes decisores.

Estar al tanto de las investigaciones que realizan instituciones especializadas sobre el quehacer comunicativo y sobre la relación de los medios y la niñez, es de gran importancia para mantenernos actualizados y repensar los proyectos.

Busquen diversas metodologías para la construcción de la premisa o de la idea central, como talleres literarios, tormenta de ideas, salidas de campo, jornadas de observación, entre otras.

Tengan en cuenta que la base para que un contenido infantil sea exitoso es la historia, que se refleja en libretos bien escritos, en personajes verosímiles. No significa que se trate de personajes de la vida real, sino que ganen credibilidad y congruencia dentro del universo creado.

Durante la etapa de desarrollo, diviértanse. Si es divertido mientras se planea, el producto podrá llamar la atención de su público.

Comprueben que la narrativa del proyecto contenga un conflicto o pretexto verosímil, creíble, sólido, como puntos de giro que mantengan el interés de los niños.

Recuerden que la diversidad en géneros y propuestas es parte de la diversidad de la infancia. Contenidos con humor, con suspenso, que generen conexión emocional con la audiencia son parte fundamental de esta diversidad.

Definan la premisa de proyecto, la idea central, de manera clara y concreta. Garanticen que todo el equipo la conozca, la comprenda y asuma la responsabilidad de cumplirla desde su rol específico. Conviértala en un mantra al que se acude cada vez que hay dudas sobre alguna actividad o resultado del proyecto.

Busquen que las historias, temas y contenidos:

• Exploren lenguajes audiovisuales no tradicionales y nuevas plataformas.

• Mantengan coherencia con el formato y los recursos invertidos.

• Tengan un formato coherente y el diseño y manejo de los elementos del lenguaje sean destacables (efectos, sonido, música, gráfico, imagen, fotografía, navegación, etc.).

A medida que avancen en el proceso, verifiquen qué tanto se logra visualizar con claridad cada uno de los aspectos narrativos del contenido. Si lo descrito y lo planeado se traduce en imágenes mentales y sensaciones concretas, van por buen camino.

Exploren distintas formas de humor y conozcan lo que divierte a los niños en condiciones y edades diversas.

Identifiquen el tema central y el mapa temático del proyecto y la manera como se articula con la premisa y la estructura narrativa, teniendo en cuenta que son aspectos que se deben investigar con profundidad. Verifiquen que la estructura narrativa sea clara y suficiente para desarrollar el contenido.

En caso de tratarse de una serie, tomen decisiones con respecto a la manera como el público puede seguir el contenido, teniendo en cuenta también la ventana para la cual se está pensando. Si se piensa en emisión semanal, es recomendable pensar en capítulos autoconclusivos que no requieran de episodios previos para su comprensión.

Produzcan el contenido teniendo en cuenta una amplia gama de géneros y formatos para los niños, escojan uno o varios de estos géneros para su contenido. Conozcan la gramática específica del género o formato seleccionado para su contenido.

Evalúen el potencial de la idea y su desarrollo en función de la creación de una marca y un universo que pueda consolidarse en distintos productos transmedia. Cada contenido es particular y requiere de un desarrollo interactivo pensado en su función, audiencia y uso.

Menos es más. No es recomendable pretender abarcar todos los temas, cumplir todos los objetivos, usar todos los recursos disponibles, ni caer en trampas generalistas. Es necesario tomar decisiones y priorizar.

Configuren el contenido ilustrando y contextualizando universos cotidianos.

Representen y den relieve a la realidad social y hagan visible su complejidad, en una gama de grises, que le permitan a los niños generarse un criterio que supera la lógica de bueno - malo.

Administren la información dentro de la estructura, para crear expectativa.

Procuren generar relaciones entre conceptos o valores en las historias.

Las propuestas narrativas pueden ir acompañadas de garabatos, imágenes, audios o cualquier otro recurso que permita ilustrar mejor la propuesta. Experimenten a este respecto.

Consideren desde la etapa de desarrollo aspectos de posproducción que enriquecen la narrativa: música original, diseño sonoro, estilo, arte, estética, entre otros.

Tengan en cuenta la etapa de desarrollo implica tiempo, talento y dedicación, por tanto, se traduce en un valor financiero y artístico que debe monetizarse en el presupuesto

Si tienen dudas acerca de su forma de redacción, busquen a alguien con habilidad para escribir y con perfecta ortografía, que traduzca en texto lo que están proponiendo.

Dimensionen la magnitud del proyecto en términos de costos desde la etapa de desarrollo, para tomar acciones en cuanto a consecución de coproductores, inversionistas y/o alianzas.

Realicen un teaser del programa o del contenido que puedan suministrar a los canales o a las ventanas de circulación para promocionarlo. Produzcan una muestra del contenido (en el caso audiovisual, capítulo 0) que puedan poner a discusión de todas las partes involucradas, validar en grupos focales y ajustar de manera oportuna.

Exploren permanentemente la oferta que existe de contenidos infantiles, identifiquen las tendencias y reconozcan las producciones que son afines o similares a su proyecto.

Manténganse actualizados con respecto a lo que ofrece el mercado nacional e internacional. Recuerden que sobre todo el mercado internacional es cambiante.

Conocer los catálogos de los distribuidores ayuda a estar al tanto de la demanda de contenidos en el mercado nacional e internacional.

Documéntense acerca de las formas de trabajo y modelos de producción, que se han utilizado en experiencias afines. Vean, escuchen, naveguen; asistan a seminarios, suscríbanse a publicaciones de tendencias, consulten blogs confiables, revisen páginas afines a sus contenidos.

Identifiquen todas las fuentes posibles de financiación. No basta con conocer los fondos concursables del sector público. Las empresas privadas cuentan con concursos de creación que pueden ser interesantes. Los organismos internacionales abren convocatorias con cierta frecuencia. Los bancos cuentan con el factoring como una forma de lograr flujo de caja en escenarios cuya financiación está atada al producto final. Conozcan las convocatorias que ofrece la cooperación internacional, la empresa privada, el sector público e, incluso, las fundaciones. Recurran a fondos de capital semilla, emprendimiento e innovación.

La oferta de contenidos infantiles en el mercado nacional e internacional es muy amplia. Piensen qué diferencia su proyecto y cuál es el valor agregado para la niñez y para el mercado. Enfaticen esos aspectos en su proyecto.

Consideren que, si bien el proyecto está pensado para una o varias ventanas, prevean su circulación a través de otros medios, por tanto gestionen las autorizaciones teniendo en cuenta esta expectativa.

Si bien el proyecto está pensando para una o varias ventanas específicas, gestionen las autorizaciones para todas las ventanas y medios existentes o por inventar.

Adelanten las gestiones necesarias para presentar su proyecto y su producto en determinados momentos. Entérense de los fondos concursables, los mercados de coproducción, los escenarios de pitch y los eventos académicos. Identifiquen aliados en las productoras nacionales y extranjeras, así como en los medios públicos y privados con fuerte apuesta a la coproducción infantil.

Simultáneo al desarrollo del proyecto, se puede desarrollar la marca que, no solo identifica al contenido, sino que se convierte en la sombrilla visible del universo construido, así como en el referente de todos los productos derivados.

Piensen que su proyecto puede convertirse en modelo de negocio sostenible, si lo proyectan como un producto en un mercado determinado. En este sentido valoren la idea, el formato creado, la biblia, el desarrollo de proyecto, según lo que espera obtener en el futuro del producto. Hagan alianzas con personas que tengan conocimientos en el tema financiero y en modelos de negocios. Definan escenarios de retorno de la inversión en donde sea visible la rentabilidad en términos pesimistas (pérdida), aceptables (punto de equilibrio) y optimistas (rentabilidad), con base en datos confiables y en un plan de gestión realizable.

Registren su proyecto en la Dirección Nacional de Derecho de Autor, aclaren en el equipo factores relacionados con propiedad, porcentajes de participación, ganancias, premios, ventas, responsabilidades jurídicas. Asesórense de expertos.

El recurso utilizado para hablar de la creación del universo y de la historia en el marco de la producción de contenidos infantiles, son los arquetipos narrativos con especial énfasis en el Viaje del héroe. No quiere decir que sea obligatoria su implementación, pero es reconocido su beneficio para producir historias llamativas para los niños y adolescentes. Tampoco se recomienda crear historias usando el Viaje del Héroe como camisa de fuerza, es más bien un filtro por el que deben pasar las historias para determinar su efectividad narrativa.

La organización narrativa del Viaje del Héroe surge del análisis de muchos mitos fundacionales de diferentes culturas a través del tiempo, de ahí que describa las acciones a manera de aventura épica, lo cual no quiere decir que solo se pueda usar para historias como el Señor de los Anillos o Harry Potter, por el contrario, las aventuras pueden ser lograr hablar en público, hacer un gol o comer un delicioso helado. Es más sobre cómo se cuentan las historias para hacerlas emotivas.

Es un arquetipo narrativo común a todas las historias desde hace miles de años, que está presente en una suerte de inconsciente colectivo. Según Joseph Campbell. Profesor, mitólogo y escritor estadounidense “un protagonista abandona su entorno cómodo y cotidiano para embarcarse en una empresa que habrá de conducirlo por un mundo extraño y plagado de desafíos”, en cuyo contexto se da lo que se ha definido como “el llamado a la aventura”, ese momento en el cual al protagonista de nuestra historia lo convocan a lanzarse a una aventura que implica peligros y que sucederá en un mundo en el que no se siente cómodo; deberá enfrentar situaciones difíciles, miedos, donde se verá obligado a usar características y habilidades de su personalidad que hasta ahora no había utilizado.

El héroe vive en su MUNDO ORDINARIO, donde recibe una LLAMADA A LA AVENTURA. En un primer momento, el héroe RECHAZA LA LLAMADA o se muestra reticente, pero aparece un MENTOR que lo anima, de modo que el héroe cruza EL PRIMER UMBRAL. Este da paso a un mundo especial, donde el héroe ha de superar PRUEBAS y conocer nuevos ALIADOS y ENEMIGOS. Luego se APROXIMA A LA CAVERNA MAS PROFUNDA, al lugar de mayor peligro, y allí tiene lugar la ODISEA, el gran enfrentamiento. El héroe vence y se lleva su RECOMPENSA, pero es perseguido en el CAMINO DE REGRESO. El héroe se enfrenta, una vez más, al que será el combate final, tras el cual experimenta una especie de RESURRECCIÓN. Por último, RETORNA CON EL ELIXIR, es decir, con una bendición o un tesoro del que se beneficiará su sociedad, su mundo ordinario.

Es el mundo normal del héroe (protagonista) antes que la historia comience, donde se presenta su vida cotidiana. En este momento de la historia, le contamos al espectador cómo es la vida de él o la protagonista antes de que las cosas empiecen a alterarse. Por ejemplo, su vida como huérfano en la casa de sus tíos y durmiendo en el ropero, su vida como futuro rey, su vida como padre híper protector, su vida como el líder de los juguetes, entre otras opciones que hemos visto en algunas historias.

Una vez que comience el conflicto que atrapará al niño, el protagonista debe sentirse como un “pez fuera del agua”; es decir como Harry Potter al entrar “al mundo de los magos”, el mundo ordinario será, entonces, “el mundo de los humanos”.

Una vez planteado el “mundo ordinario” de nuestro protagonista, llega el clásico “Pero un día…”.

Ocurre algo que ya no le permite a nuestro protagonista seguir viviendo como lo hacía hasta ese momento. Quizás le gustaría cerrar los ojos y decir “Todo esto es un sueño, no ha pasado nada”, pero cuando los abre, descubre que todo es verdad. Es el momento donde a nuestro protagonista se le presenta un desafío, un problema, una aventura.

Ejemplos de llamadas a la aventura: se pierde Nemo, Llega Buzz Lightyear a la vida de Woody, Aladino encuentra la lámpara y queda atrapado, Los Goonies encuentran un mapa secreto, Sullivan encuentra a Bo.

Con la llamada a la aventura se altera el universo del personaje, se desequilibra y también se establecen las reglas del juego, se plantea la contienda y se define el objetivo del protagonista, por ejemplo, recuperar a Nemo, sacarse de encima a Buzz, escapar de la cueva, encontrar el tesoro, devolver a Bo al mundo de los humanos.

Al protagonista le llegó la invitación a la aventura, a abandonar “su casa” para meterse en un mundo especial, nuevo, peligroso, afrontar la posibilidad de una transformación profunda que lo cambie para siempre… Pero quizás no se anime, o no esté seguro, porque piensa que dar ese salto es demasiado, no se siente lo suficientemente confiado ni valiente para emprender una aventura así. Lo invade un miedo paralizante, principalmente al cambio: prefiere no dar ese paso.

Si el protagonista está paralizado, si no termina de decidirse a lanzarse tras su objetivo, suele tener lugar una influencia externa que termina de darle el empujoncito que faltaba: aquí es donde aparece el mentor, que suele estar representado por un anciano y anciana, pero que no tiene que ser necesariamente así. Por otra parte, hay que mencionar que ese empujoncito también puede estar dado por un empeoramiento de su mundo cotidiano porque el objetivo se vuelve más valioso (una recompensa, por ejemplo).

El mentor representa simbólicamente a la relación padre-hijo, maestro-alumno, Dios-hombre. El mentor sirve de guía al protagonista, lo contiene, le habla desde la experiencia, intenta darle y transmitirle su sabiduría producto de su propia historia vivida hace años. Su función consiste en prepararlo para lo desconocido. Puede darle un consejo, o un objeto mágico, lo que sea que pueda ayudarlo.

Al sentirse más confiado y seguro, el protagonista decide abandonar el mundo ordinario para entrar en el mundo especial, mágico, ese que lo espera para que viva sus propias aventuras. Luego del encuentro con el mentor, el protagonista siente que está preparado, que tiene algo que le permiti seguir adelante.

Una vez que se pasa “El primer umbral”, el protagonista ya está metido en el “Mundo especial” y la aventura finalmente comenzó. A partir de este momento, nuestro protagonista se irá encontrando con pruebas cada vez más difíciles, con “abismos” cada vez más grandes que irán desafiando su temple y determinación, tentándolo a abandonar. En esta etapa el protagonista se enfrenta a pruebas, encuentra aliados y confronta enemigos, de tal manera que conoce y aprende las reglas del mundo especial.

Si imaginamos como cavernas a las diferentes pruebas que el protagonista va atravesando, en esta instancia de la historia se está acercando a la más profunda, la más oscura. En la mitología, esta caverna profunda estaba representada como el infierno: el héroe debía descender y enfrentarse al mismísimo Hades para recuperar a su amada; o como un laberinto, en el que Teseo debió introducirse para encontrar al Minotauro.

En este momento el protagonista “toca fondo”. Su peor pesadilla se hace realidad, se enfrenta con lo que más teme; es una situación de vida o muerte. Hay una gran posibilidad de que muera (literal o simbólicamente; abandonar su objetivo, renunciar, también sería como “morir”). Es necesario que muera o parezca morir para que luego… ¡renazca!

Es necesaria esta “muerte aparente” porque representa un “shock” en las emociones del espectador. Durante toda la historia estuvo haciendo empatía con él o la protagonista, quiere que le vaya bien, no quiere que sufra. Por eso cuando parece morir, lo que dure ese momento, el espectador tendrá sus emociones en “pausa”, si no está el protagonista, no siente. Por otra parte, “vivir la muerte”, padecerla y volver de ella, le da a la historia la “magia mitológica, la esencia del mito heroico”.

Cuando el espectador ya piensa que el protagonista no va a volver… ¡ZAS! Sobrevive. Ha regresado de la muerte: la leyenda comienza a cobrar vida. Y por animarse a vivir ese momento, por la valentía de haberse arriesgado a cruzar esa caverna, el protagonista recibe un premio, tiene una recompensa: puede haber aprendido algo, o haber obtenido un objeto esencial para la lucha final con el antagonista.

El protagonista volvió de la muerte, se sobrepuso a su miedo, superó una prueba fatal, consiguió “la espada mágica”, pero semejante atrevimiento genera que ahora su antagonista y sus secuaces lo persigan y quieran atraparlo; por lo que el protagonista debe emprender la huida, salir de esa “caverna” y regresar a “su tierra”, a su mundo ordinario. Por ejemplo, en Star Wars, escapan de la Estrella de la muerte perseguidos por las fuerzas de Darth Vader.

Este es el “gran final” de la película, donde el protagonista va a tener el enfrentamiento último con “las fuerzas antagónicas”. Este momento coincide con el clímax, es la batalla definitiva: el protagonista ya volvió de la muerte convertido en otra persona, ha aprendido muchas lecciones a lo largo de sus viajes, y ahora debe aplicar todo lo aprendido para poder derrotar definitivamente al antagonista.

Es un examen final. Simbólicamente, en los antiguos ritos de iniciación, el iniciado, luego de pelear a muerte en el bosque, debía ser “purificado” para regresar a la tribu, ya que tenía las manos manchadas con sangre. Este enfrentamiento final representa eso: la purificación. Si sale victorioso, significa que ya no es el mismo del comienzo: ha sido elevado.

El protagonista efectivamente ha salido victorioso y se ha transformado, no es el mismo del comienzo: ha sacado de su interior características que no sabía que albergaba. Y entonces, culminada la batalla, regresa a su mundo ordinario: claro que ahora él es otro, ya que trae consigo un elixir: este puede ser un objeto (Nemo) o un cambio en él (a Jack Frost ahora lo pueden ver, es un guardián) o la paz (Luke Skywalker). También podría ser el aprendizaje de una lección. Esencialmente toda historia cuenta el viaje que hace un personaje para aprender algo. Sino aprendió nada, debería hacer el viaje nuevamente.

Es de aclarar que estos pasos no son obligatorios y en muchos casos se combinan o no aparecen en el producto final. Los creadores o guionistas deben primero pensar en su historia y luego pasarla por el filtro de los pasos del viaje del héroe, no es una camisa de fuerza sino una guía. Algo que también es importante es que no siempre se debe pensar en función de aventuras fantásticas con mundos y personajes irreales, muchas historias para niños cumplen con estos pasos y su universo narrativo está basado en la cotidianidad.

Tener clara la historia es fundamental pero no es suficiente, por eso se debe definir y configurar muy bien a los personajes. Una buena creación de personajes le da largo aliento a la serie.

Un tema se puede volver muy monótono, pero si se cuenta con personajes bien construidos, profundos, con características claramente definidas, se pueden hacer cambios claves en la narración logrando enriquecerla cada vez más. En este sentido pueden presentarse capítulos donde el o la protagonista no siempre es el centro de atención, logrando de esta manera algo más orgánico.

A los personajes se les tiene que crear su mundo, sus propias historias, deben tener una razón de ser, una personalidad única; por eso se recomienda un trabajo juicioso y minucioso a través del cual se construyan sus propios universos y características que responden a sus particularidades.

Al crear los personajes, aunque debe existir un protagonista, es clave pensarlos como si todos fueran protagonistas, darles fuerza, no dejar cabos sueltos, hacerles preguntas, indagarlos, imaginar cómo serían sus relaciones, de esta manera se ayuda a expandir el universo narrativo a medida que pasan los capítulos y las temporadas.

Imagine sus personajes y las relaciones que tejen, por ejemplo, con la infancia, la adolescencia, la familia, el cuerpo, lo material, el lenguaje, la sociedad, el grupo, el ocio, los sueños, los deseos, cómo serían, qué pensaría, cómo actuarían.

Tema. La definición del tema es clave para que el público realmente se conecte. Es el motor que permite un claro desarrollo posterior de los personajes y de los episodios.

Personajes. Los personajes deben ser diferentes entre ellos para que se puedan crear conflictos internos y se presenten miradas distintas frente a un mismo tema. Todos los personajes están en la serie por una razón y se definen con base en la relación que tejen con los otros, por eso es clave la creación y consolidación de diferentes mundos narrativos.

Es un error pensar en personajes perfectos, sencillamente porque nadie es perfecto y ese tipo de personajes es aburrido. Los personajes deben tener fallos, es decir, esas cosas en las que no son buenos.

Fallos. Trabajar a partir de los fallos siempre da posibilidades de creación y permite que muchos se conecten con ciertos personajes; por ejemplo, los impulsivos, a los que solo les importa ellos mismos, el que no es el más brillante de la clase o del grupo, el tímido. Bien trabajadas esas características permiten lograr personajes que terminan siendo muy encantadores.

Tipo 1: Personajes planos

Son aquellos que no sufren transformaciones profundas a lo largo de la historia, sino que viven aventuras y resuelven conflictos sin dejar de ser quienes son. Sus historias estaban desarrolladas sobre conflictos que detonan una serie de sucesos cómicos, muchas veces sostenidos sobre gags y el humor de acción. Los personajes que rodean al protagonista también son planos y sus personalidades están exageradas: como el tonto, el bruto, el hábil, el fastidioso, el audaz, entre otros.

Tipo 2: Personajes con profundidad: protagonistas, aliados y antagonistas.

Cuando nos proponemos contar una historia más profunda, una historia que quiera transmitir un mensaje potente, será inevitable la construcción de personajes sólidos, con más de una dimensión, profundos y verosímiles que puedan someterse a un viaje que los hará sacar de su interior actitudes y valores que ni ellos mismo sabían que tenían.

Ningún personaje está porque sí en un capítulo, cada uno tiene su razón de ser y a cada uno hay que tratarlo con el mismo cariño y la misma importancia, porque es posible que vuelvan a aparecer y asuman otros roles, quizá más protagonistas que la primera vez.

El protagonista es el personaje a través del cual el espectador infantil entrará a la historia, por lo que es recomendable dedicar el tiempo suficiente para crear un personaje interesante y atractivo. Debemos construir al protagonista de nuestra historia con elementos y características universales para que los niños y las niñas las vean y rápidamente se identifiquen.

Existen valores universales que todo ser humano (desde los niños hasta los adultos) tiene o tuvo en el algún momento de su vida: el deseo de ser comprendido y amado, tener éxito, sobrevivir, ser libre, obtener venganza, remediar el mal y expresarse. Así como emociones: el enojo, la competitividad, la codicia y la alegría.

El antagonista también puede ser llamado “La sombra”, y esto es porque se compone de la parte más oscura de la personalidad del protagonista. La idea de “La sombra” nace de los miedos que todos tenemos (niños y adultos) y que si no los enfrentamos a tiempo, pueden apoderarse de nosotros y nosotros mismos convertirnos en la sombra.

Si el protagonista es la fuerza que trabaja por progresar, por conseguir un objetivo y en ese camino sacar lo mejor de sí, el antagonista es la fuerza en contra que intentará hundirlo, impedir que consiga el objetivo y tentarlo a abandonarse, renunciar a superarse y sucumbir a sus demonios internos.

El antagonista debe ser un personaje fuerte, interesante, porque mientras mayor sea el desafío, más méritos tendrá el protagonista al enfrentarlo y eventualmente vencerlo. Un antagonista plano solo es funcional si el protagonista también lo es y generalmente va a tener lugar en la comedia. Como sucede con el Coyote y el Correcaminos.

Los antagonistas son más interesantes en la medida que no solo son enemigos poderosos, sino que, por ejemplo, puedan mostrar cualidades sensibles, motivaciones heroicas, o que tengan sentido del humor. Estos detalles hacen que los niños y niñas puedan disfrutar aún más de la historia, porque si el protagonista se define por el antagonista, mientras más profundo sea este, mejor será la historia.

Los aliados son aquellos personajes que se suman a la aventura del protagonista para ayudarlo, ya sea por un interés personal, por un interés común o por altruismo. Son personajes que tienen que estar bien construidos, de manera tal que, si el antagonista simboliza “la oscuridad” escondida en el interior del protagonista, el aliado puede representar alguna faceta que, sin bien no es oscura, el protagonista tampoco usa. De esta manera los aliados podrán sumar al protagonista ciertas cualidades que simbólicamente, aceptando al aliado, aprende a usar. En las producciones audiovisuales infantiles, lo más común es que estos aliados sean la parte de ellos mismos que menos soportan por lo que el contraste se torna comedia.

Tengamos en cuenta que no alcanza con una cualidad para tener un personaje profundo, justamente porque ningún niño o niña no es el producto de una sola característica, sino que, por el contrario, es la mezcla y convivencia de numerosos sentimientos y motivaciones que están constantemente en su interior. Esta es una de las razones por la que puede ser más atractivo un personaje de 11 años que, por un lado, quiere estar con la chica que le gusta, pero al mismo tiempo (porque no es plano) tiene otro sentimiento que le dice: “No, ella no, porque es la que le gusta a tu mejor amigo”. Del choque de sentimientos nace el conflicto y la profundidad del personaje.

El espectador que vea a este tipo de personajes (con profundidad) sentirá que, gracias a una notable combinación de cualidades, ese protagonista es único y real. Un protagonista con defectos y contradicciones siempre es más real y verosímil (por lo tanto, con más posibilidades de identificación) que un protagonista plano, unidimensional. Un protagonista completo, por poner un ejemplo, podría ser: determinado, indeciso, encantador, olvidadizo, impaciente, de cuerpo robusto y corazón sensible.

La profundidad en los personajes no es válida únicamente para los protagonistas. Los otros personajes que integran la historia (antagonistas, mentores o aliados) también serán más interesantes y atractivos mientras más profundidad reflejen en sus caracterizaciones.

Son modelos originales que sirven como pauta para imitarlos, reproducirlos o copiarlos, un prototipo ideal que sirve como ejemplo. Se plantean 8 arquetipos como guía útil para el desarrollo de personajes, estos no son los únicos ni los más importantes, se proponen a partir de la experiencia y el trabajo desarrollado en el medio.

Todos los arquetipos están creados, de lo que se trata es que al definir los personajes de nuestras historias se haga de manera diferente, mezclar sus características según las necesidades, según la historia de cada personaje; tener presente que cada uno tiene su propio universo, ese algo que los hace únicos.

Configuración por el grupo de 4: existen muchas formas para crear personajes, una de las más tradicionales y básicas es la configuración por el grupo de cuatro donde cada uno de los integrantes tiene unas características particulares: Líder, Cerebro, Aproblemado y Espíritu libre.

Ejemplo de la configuración de 4 en Puerto papel.

• Matilde: la líder, la acción y las aventuras están enfocadas en ella.

• Carlos: es el de espíritu libre, el que contrarresta este liderazgo, la saca del camino, a veces choca.

• Ferni: es el cerebro del grupo, el chico más inteligente, el que siempre tiene la solución a los problemas.

• Boldo: es el más problemático, con una historia familiar más compleja que de alguna manera define sus características.

En la práctica se pueden dar diferentes configuraciones, por ejemplo, un grupo de cuatro entre protagonistas y no protagonistas. De igual manera se pueden compartir los roles o las características, por eso es clave hacer las matrices o grillas de configuración de personajes donde se caracterizan, se jerarquizan según las necesidades de la historia, el universo narrativo, lo que se quiere lograr con cada uno. En el grupo de 4 el protagonista puede ser cerebro o espíritu libre o cualquiera de los otros, eso depende del tono de la serie.

Para hacer fuerte a los personajes es necesario configurarlos muy bien, crearles un mundo propio, una historia. Se puede lograr esa adecuada configuración a través de preguntas que se les hace sobre diferentes aspectos, por ejemplo:

• Metas: ¿Qué quiere lograr?

• Físico: ¿Cómo se viste y mueve?

• Código Moral: ¿Le importan los demás?

• Temáticas: ¿De qué habla?

• Backstory: ¿De dónde viene?, ¿qué ha vivido?

• Fallos: ¿Cuáles son sus debilidades?

• Traumas: ¿A qué le teme?

Una forma de conocer mejor a los personajes está relacionada con imaginarlos en diferentes aspectos, dimensiones o situaciones, pensar, por ejemplo, cómo actuarían, qué dirían, qué evitarían. Para lograrlo se pueden hacer preguntas que necesariamente no van a aparecer en los capítulos o en los diálogos, pero que sí ayudan a crearlos y configurarlos adecuadamente, sólidos y auténticos.

Todo está hecho, todo se puede re hacer. Es clave que los equipos conozcan lo que se ha hecho y dicho sobre la creación de historias y personajes, analizarlo y reflexionarlo; no para hacerlo al pie de la letra, sino para utilizarlo como una guía a partir de la cual puedan explorar y enriquecer con su experiencia personal, la intuición, la esencia de sus propios proyectos. Todo está para rearmarse a partir de las exploraciones que se hagan.

Los personajes también maduran, pero su esencia se mantiene. Los personajes se terminan de escribir, de configurar en su interlocución con los otros, en su accionar en determinadas situaciones dentro de las historias. Sin embargo, para que esto sea posible, cada personaje debe tener su historia y esta historia se puede escribir en unas líneas donde queda claro lo que los caracteriza y define.

A medida que se desarrolla la historia van sucediendo situaciones que se necesitarán explicar. Así se van madurando los personajes, cuando se encuentran respuestas a las preguntas que surgen, a la justificación de por qué actúan de una manera o de otra, a esa necesidad de hablar de un pasado que a veces se ha mencionado, pero no se ha profundizado.

El rol de un personaje no se dice en un diálogo, se demuestra en las acciones, en la interlocución, en sus formas de actuar, de vestir, de relacionarse con los otros personajes. A medida que se desarrolla la serie se aprende a conocer más a los personajes, tal como ocurre con los amigos y uno sabe qué puede hacer y qué no ese personaje, porque cada vez se conoce y reconoce más. Cuando se cuenta con una buena configuración es más fácil evitar que los personajes se salgan de lo que son, es decir, se conviertan en otros.

Cuestión de practicar, probar, validar. Es posible lograr diálogos más universales que puedan ser comprendidos en diferentes lugares, al interior de un país o de una región, por ejemplo, como Latinoamérica. Es cierto que en Colombia, Argentina, Brasil, Ecuador o Chile se utilizan diferentes expresiones o diferentes formas de nombrar una misma cosa, pero aun cuando parezca complejo, se pueden construir diálogos neutrales, naturales, que se comprendan en los diferentes lugares sin que suenen falsos.

Para lograr diálogos universales se requiere práctica, es un ejercicio cotidiano de prueba y error, una apuesta consiente que implica escuchar esas formas de hablar de los otros para cada vez más acercar nuestros propios diálogos a lo que se requiere.

Es importante analizar la conveniencia de conectar el proyecto de manera convergente, tanto a través de estrategias transmedia y crossmedia, como de referencialidad entre medios o pantallas, es decir, el uso de señalización y de recursos gráficos y sonoros que establezcan un vínculo entre los contenidos del proyecto en diversas plataformas.

Exploren experiencias y sitios transmedia o crossmedia, de manera que logren dominar tanto el concepto como su alcance.

Las extensiones más comunes que se crean para que los usuarios vivan una experiencia transmedia están relacionadas con comics, películas, juegos digitales, juguetes, libros interactivos, realidad aumentada y realidad virtual, TV interactiva.

En una experiencia transmedia puede haber diferentes tipos de elementos o estrategias que buscan involucrar la participación directa de los usuarios, por eso es clave diseñar la ruta o el camino que se les propondrá para vivir esa experiencia.

Generalmente una experiencia transmedia puede iniciar con el capítulo de la serie, en televisión o en la web, donde se trabaja un tema determinado; de ahí se invita al usuario a visitar el sitio en internet donde encontrará actividades, juegos, retos, o talleres. Generalmente en estos espacios se propone crear una narrativa propia, su historia sobre el tema desarrollado. Se generan las condiciones para que el usuario pueda comunicarse para conocer más información, por ejemplo, sobre los proyectos o experimentos que está realizando.

• Se caracteriza por el hecho de que requiere la interacción del usuario.

• Involucra activamente la audiencia en diferentes plataformas.

• Requiere participación.

• Puede mezclar medios tradicionales: libros, teatro, cine, televisión; con nuevas tecnologías: fan fiction, medios sociales, YouTube o juegos Digitales, con actividades presenciales: encuentros de usuarios, performances, juegos, eventos, entre otros.

Para crear una buena experiencia interactiva para niños se necesita un buen diseño. Estos son algunos de los requerimientos básicos para lograrlo:

• Hacer que el objetivo del espacio interactivo sea visualmente explícito: los pasos necesarios para lograr el objetivo deben ser obvios de manera inmediata e intuitiva en cada pantalla.

• Distinguir elementos interactivos: los elementos interactivos (por ejemplo, botones, objetos) deben diferenciarse visualmente del resto de la pantalla.

• Indicando "Más": si hay elementos ocultos, como colores adicionales en una paleta de colores, es clave incluir un indicador visual (por ejemplo, flechas, una vista parcial del siguiente elemento o una animación).

• Scrolling: el desplazamiento vertical debajo de una página es conceptualmente difícil para los niños. El scrolling horizontal es más intuitivo.

En el diseño de experiencias transmedia es clave tener en cuenta la intuición de los niños y su forma de relacionarse con las nuevas tecnologías y ser conscientes que esta relación cambia constantemente por las nuevas posibilidades que la tecnología les ofrece y los retos que les propone.

La portabilidad, la hibridación y la interactividad, son algunas de las experiencias que ofrecen las tecnologías de la información y la comunicación para que la actual, sea considerada la era de los contenidos y la generación de nuevas experiencias con los usuarios. Las posibilidades que ofrecen abren cada vez más un panorama que permite explorar, arriesgar y crear contenidos infantiles de calidad que respondan a las nuevas maneras de consumirlos.

• Multiplataforma: papel, TV, web, terminales móviles. A más plataformas, más vías para canalizar el contenido.

• Portabilidad: TV, celulares, notebooks, tablets. Personales y móviles.

• Hibridación: de géneros, de formatos.

• Interactividad: el usuario como consumidor y generador de contenidos – construcción colectiva, multiplicidad de voces, todos pueden ser productores de contenidos.

Ahora existe una gran oferta de contenidos multiplataforma para público infantil, algunos parten de series de televisión o películas de cine, pero también hay los que surgen de video juegos como o libros. Aun así, todos tienen en común que su oferta de consumo ya no se focaliza en una sola pantalla o plataforma, todos proponen recorridos que pueden vincular por ejemplo televisión, cine, video juegos, redes sociales, eventos en vivo, foros, blog, apps, entre otros.

Esta nueva forma de presentar los contenidos se basa en la creación de universos narrativos que ofrecen una experiencia de participación a sus públicos para que hagan parte del universo propuesto y en algunos casos contribuir a transformarlo.

Si tienen la posibilidad, privilegien aquellos contenidos que van más allá de la pantalla de televisión: con desarrollo interactivo, con personajes con carácter y que motiven a los niños a disfrutar de su tiempo libre en otras actividades.